MODE & CULTURES d'Europe. Enquête historique par Guillaumette Duplaix, rédactrice en chef de RUNWAY REVUE. Photo/Images avec l'aimable autorisation de : GettyImages/INPI/Louis Vuitton/Dolce Gabbana/Emilio Pucci.
"La mode s'efface, seul le style reste."
coco Chanel
La mode comme élément essentiel de notre société
La mode joue un rôle crucial en s’inspirant des cultures, de l’histoire et de l’art, servant à la fois d’outil pédagogique et de source d’inspiration. Suivre les tendances de la mode conduit souvent à l’émergence de communautés partageant des intérêts communs, avançant collectivement dans la même direction.
Les grandes marques de luxe ont passé des années à construire leur identité et leur ADN. Parfois, ils embauchent des directeurs de création extérieurs à leurs cercles traditionnels pour des raisons marketing ou culturelles, dans le but d’attirer un nouveau public issu d’un bagage culturel différent.
Cette approche peut paraître attrayante au premier abord, car elle introduit de nouvelles idées et une nouvelle perspective. Cela permet à une marque de se réinventer et de rester pertinente dans le temps. Cependant, cette pratique comporte également des risques.
L'un des risques est la dilution de l'identité de la maison de luxe
Lorsqu'un directeur créatif externe est embauché, il peut apporter une vision qui s'écarte de l'identité établie de la marque, diluant potentiellement l'essence et l'authenticité de la marque. Les fans et les clients fidèles pourraient se sentir aliénés ou déçus si les valeurs et l’esthétique qu’ils chérissent sont considérablement modifiées.
De plus, l’embauche d’un directeur créatif externe peut être considérée comme une stratégie purement commerciale visant à attirer de nouveaux clients et à augmenter les revenus. Cela peut susciter des critiques et être perçu comme une exploitation de la culture ou une démarche d’appropriation culturelle, en particulier si la marque s’inspire fortement d’une culture spécifique sans honorer ses origines et ses significations profondes.
L’idée de nommer un directeur créatif étranger au récit traditionnel d’une marque de luxe peut sembler prometteuse, mais il est crucial d’aborder cette pratique avec prudence. Il est essentiel de trouver un équilibre entre l'innovation et le maintien de l'identité et de l'histoire de la marque, ainsi que de faire preuve de sensibilité culturelle pour éviter toute forme d'exploitation ou d'appropriation culturelle.
La mode est un événement social.
MODE & CULTURE EN FRANCE
Explorons l'évolution de Louis Vuitton sous la direction de Virgil Abloh.
Cet homme talentueux a rempli avec succès sa mission en attirant un public majoritairement musical, sportif et afro-américain. Cela a créé une nouvelle communauté de consommateurs qui affiche son appartenance au groupe à travers la marque Louis Vuitton. Cependant, cette tendance pourrait se concentrer davantage sur l'apparence extérieure et l'affichage de la richesse plutôt que sur une véritable compréhension de la culture et de l'importance de la marque.
Il est crucial pour les marques de luxe de préserver leur ADN et leur héritage culturel tout en évoluant au fil du temps. La poursuite de stratégies financières à court terme peut parfois conduire à une perte d'authenticité et à une dilution de l'identité de la marque.
Je fais également référence à l’exemple de Pharrell Williams, qui a présenté des créations utilisant des peaux d’animaux en voie de disparition sans tenir compte des avis professionnels. Cela soulève des inquiétudes légitimes sur la manière dont l’inspiration peut se transformer en appropriation culturelle, ainsi que sur l’importance du respect de la nature et de l’environnement dans la création de mode.
La mode sert en effet de canal pour la culture, l’éducation, l’économie et la politique. Elle a un impact profond sur notre société et peut jouer un rôle important dans la formation de nos identités individuelles et collectives. Il est donc crucial que les maisons de couture soient conscientes de leurs responsabilités et agissent de manière éthique, en veillant à préserver leur patrimoine tout en s’adaptant aux changements du monde contemporain.
Cependant, il est également important de reconnaître que les opinions sur la mode et ses implications peuvent varier. Certains peuvent considérer ces changements comme des opportunités de diversification et de rajeunissement, tandis que d’autres peuvent s’inquiéter du maintien de l’authenticité et de l’importance culturelle.
Il est essentiel de reconnaître cette diversité de perspectives dans les discussions sur la mode et de promouvoir un dialogue ouvert et respectueux.
La capitale de la Mode reste PARIS avec la Haute Couture
Je vous invite à explorer cette page sur le Site Internet du ministère de la Culture. Le ministère de la Culture soutient la création, la recherche et l'innovation dans la mode en finançant des organismes et des projets qui contribuent au rayonnement de la mode française.
La mode est avant tout une question d’apparence :
UNE ATTITUDE
En effet, le vêtement est apparu dès la préhistoire et a évolué au fil des âges, mais retenons ceci : Les premiers à adopter les codes vestimentaires furent à la cour de Versailles. Louis XIV et Jean-Baptiste Colbert décident de faire de la France le premier fabricant mondial d'articles et d'articles vestimentaires. L’industrie du luxe passe sous l’autorité de la couronne.
Cela a conduit à l’émergence d’artisans artisanaux de renom comme Rose Bertin. La haute couture parisienne deviendra l'héritière de ce phénomène. Juste avant la Révolution française, les almanachs de mode illustrés ont commencé à diffuser la mode parisienne auprès des lecteurs de province et de toute l'Europe.
C’est la naissance du journalisme de mode, vecteur crucial de la libéralisation du secteur vestimentaire.
Les styles extravagants de la cour royale française ont conduit à d’immenses dettes supportées par les contribuables. Ces dépenses excessives ont également contribué à ternir la réputation de Marie-Antoinette, devenant même l'un des griefs qui ont déclenché la Révolution française. Bien après sa mort, Marie-Antoinette reste une icône culturelle majeure, symbolisant à la fois le glamour et la richesse.
Durant la Révolution française, les « sans-culottes » donnent au vêtement une signification politique. La loi du 8 brumaire an II (2 octobre 29) consacre la liberté de s'habiller comme on le souhaite, ce qui préfigure la démocratisation du vêtement.
Sous le Second Empire, ce sont les Britanniques, notamment Charles Frederick Worth, pionnier de l'utilisation de modèles vivants à Paris. Cela marque la naissance de la Haute Couture.
Jusqu’au 20e siècle, les gens fabriquaient leurs vêtements eux-mêmes ou les faisaient confectionner sur mesure. Les créateurs ont libéré le corps féminin du corset pendant la Première Guerre mondiale.
Au début du XXe siècle, Jeanne Paquin invente les défilés de mode.
A cette époque, il y avait une vingtaine de maisons de couture à Paris. Paul Poiret fut le premier à « émanciper le corps de la femme ».
Ces années sont marquées par une nouvelle tendance dans le monde de la mode : la collaboration entre couturiers et plasticiens. Par exemple, Elsa Schiaparelli a collaboré avec le peintre Salvador Dali. Leur amitié a conduit à la création d’une collection extraordinaire mêlant styles artistiques et imagination débordante. La célèbre « Lobster Dress » de 1937 est une pièce remarquable illustrant cette fusion.
Pour étendre son rayonnement, la mode a réussi à nouer des alliances avec la photographie et le cinéma. En 1930, Coco Chanel conclut un accord avec Samuel Goldwyn pour créer des tenues pour les stars de United Artists.
Paris est considérée comme la capitale mondiale de la mode, comme en témoignent les nombreuses boutiques de mode réparties dans toute la ville. Le monde embrasse la mode française ainsi que sa culture. Aujourd’hui, des échanges culturels entre pays et maisons de couture de luxe ont lieu, aboutissant à de magnifiques résultats.
Pourquoi ?
Le mot « culture » est essentiel dans les deux contextes.
Si le système « culturel » adopté aujourd’hui par les grandes maisons de luxe repose sur l’histoire, la sensibilité, le respect, etc., des liens naturels se nouent. A l’inverse, si cette approche est purement marketing (pour lui donner sa véritable interprétation), elle est rejetée par la communauté des « utilisés ».
MODE ET CULTURE EN ITALIE
La naissance de la mode italienne et du « Made in Italy »
L'histoire de la mode italienne remonte au Moyen Âge avec l'émergence des premiers ateliers de tissage et de teinture. A cette époque, les tissus les plus précieux étaient importés d'Orient et les ateliers italiens se spécialisaient dans la production de textiles raffinés et de haute qualité. La marque « Made in Italy » est née de cette tradition artisanale et du savoir-faire italien, qui ont permis à la mode italienne de se démarquer sur la scène internationale. Au fil des siècles, les designers italiens n’ont cessé d’innover et de développer de nouveaux styles, s’inspirant à la fois de la Renaissance et de la culture méditerranéenne.
Rome, Florence et Milan symbolisent l'économie de la mode italienne
Haute Couture romaine
Le succès de la mode à Rome après la Seconde Guerre mondiale est le résultat d'un processus d'excellence qui a débuté dans les années 1870, à la suite des bouleversements socio-économiques qui ont secoué la ville à partir de 1871, lorsqu'elle est devenue la capitale de l'Italie. L'arrivée de la famille royale, des bureaux gouvernementaux, des ambassades, des marchands et des petits entrepreneurs a bouleversé la hiérarchie dominée par de vieilles et puissantes familles aristocratiques, ouvrant la voie à une noblesse moins conservatrice et, plus important encore, à une bourgeoisie urbaine avec de nouvelles valeurs culturelles et de nouveaux modes de vie. et les modes de consommation. Cette nouvelle classe sociale a créé une demande spécifique d'articles et d'accessoires de haute couture, attirant les artisans les plus qualifiés. Originaires d'autres villes italiennes, ils installent leurs ateliers dans la capitale ou y ouvrent des succursales.
La première « couturière » à créer une mode indépendante des standards parisiens ne fut pas un couturier au sens strict, mais une artiste : Maria Monaci Gallenga (1880-1944), qui voyait le design vestimentaire comme une synthèse parfaite entre les arts plastiques et la peinture. En 1915, elle présente ses premières créations à l'exposition Terza secessione Romana et à l'Exposition internationale Panama-Pacifique de San Francisco, où elle reçoit un Grand Prix. À partir de cette date et jusqu'en 1935, les créations de Maria Gallenga connaissent un succès généralisé en Europe et aux États-Unis, culminant en 1925 avec un Grand Prix décerné par le jury international à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris. Grâce à ses efforts, Rome a commencé pour la première fois à « exporter » les créations de mode féminine italienne. En 1928, après avoir ouvert une succursale à Florence, Mme Gallenga fonde une maison à Paris, rue Miromesnil, active jusqu'en 1934. Son succès encourage d'autres créateurs des années 1920 et 1930 à rompre avec Paris, stimulés par le climat culturel et politique de la ville. L'ère.
Après la Seconde Guerre mondiale, la mode romaine connaît un succès international. La crise de la haute couture parisienne et la prise de conscience de son potentiel conduisent les couturiers romains à se séparer définitivement de Paris. Le marché américain a largement contribué à ce succès. En effet, avec la fin du conflit, Rome est devenue une destination touristique internationale, notamment pour les riches femmes américaines qui ont commencé à découvrir et à apprécier la créativité de ses maisons de couture, constituant l'essentiel de leur clientèle.
Simonetta, aristocrate de la famille Visconti di Cesarò, qui ouvrit un atelier en 1946, fut le premier couturier romain à capter l'attention du marché américain. Le design moderne de ses vêtements et leur côté pratique les rendaient adaptés à une production de masse, s'alignant sur les lignes de vêtements des grands magasins outre-Atlantique. Par conséquent, nombre de ses créations ont été achetées et reproduites par les magasins américains Bergdorf Goodman et Marshall Field's.
L'événement marquant qui a mis la haute couture romaine sur le devant de la scène est le mariage de la star américaine Tyrone Power avec l'actrice Linda Christian, célébré à Rome le 27 janvier 1949. Les photos du couple, publiées à la Une des grands journaux européens et Les magazines américains ont présenté la somptueuse robe de la mariée créée par la maison Sorelle Fontana et la tenue du matin du marié conçue par Domenico Caraceni. Ce jour-là, le monde a été témoin du talent des couturiers romains et, plus important encore, la mode romaine a consolidé ses relations avec le cinéma hollywoodien.
En effet, c’est au début des années 1950 que les vastes studios bien équipés de Cinecittà (créés en 1937) commencèrent à accueillir des réalisateurs et acteurs américains travaillant sur des films produits par de grands studios américains, principalement Metro Goldwyn Mayer, ce qui valut à Rome le surnom de « Hollywood ». sur le Tibre.
Tandis que les acteurs découvrent la coupe parfaite des costumes Caraceni et Brioni, les actrices deviennent des clientes régulières des maisons de couture romaines. Fernanda Gattinoni a conçu des vêtements pour des stars comme Ingrid Bergman et Lana Turner, ainsi que pour l'ambassadrice américaine Clara Boothe Luce et Eva Peron.
Emilio Schubert a conçu pour l'impératrice de Perse Soraya et de nombreuses actrices, dont la star italienne Sofia Loren.
Esther Williams fréquente l'atelier du jeune Roberto Capucci qui, avec sa ligne « a scatola » aux volumes sculpturaux et abstraits, remporte l'Oscar de la mode 1958 décerné par le grand magasin Filene's de Boston. L'année suivante, le prix revient à Irène Galitzine, créatrice du célèbre pyjama palazzo, parfait mélange de modernité et de haute couture, qu'adorait Jaqueline Kennedy.
Le studio Sorelle Fontana était fréquenté par des stars et des premières dames telles qu'Audrey Hepburn, Liz Taylor et Jaqueline Kennedy, mais Ava Gardner aimait particulièrement leurs créations, choisissant Sorelle comme costumière pour la plupart des films dans lesquels elle a joué.
Florence et l'affirmation de la mode italienne 1951-1970
Le lancement définitif de la mode italienne sur la scène internationale a lieu au début des années 1950, grâce aux défilés de mode organisés à Florence au Palais Pitti par le marquis Giovanni Battista Giorgini. Ce moment charnière n’est pas le résultat d’efforts institutionnels mais plutôt le dynamisme d’un individu. Giorgini a mis à profit sa vaste expérience commerciale et un vaste réseau de contacts et de relations développé lors de la gestion des achats pour les grands magasins américains. Il fut le premier à reconnaître et à promouvoir les éléments innovants et attrayants de la haute couture italienne auprès du principal marché international de l'après-guerre, le marché américain.
À Florence, et en Toscane plus largement, il existait un tissu artisanal dynamique, un héritage médiéval de traditions manufacturières et commerciales. La ville, avec son image de témoignage vivant de l’art et de la culture de la Renaissance italienne, constituait un attrait majeur pour le tourisme international. Pendant plusieurs décennies, Florence est devenue la référence de la mode italienne, grâce au succès et à la renommée internationale d'entreprises et de maisons de mode locales telles que Salvatore Ferragamo (fondée en 1927), Guccio Gucci (fondée en 1921) et Emilio Pucci. En 1947, Salvatore Ferragamo reçoit le Neiman Marcus Award, semblable à un Oscar de la mode, décerné par l'un des plus grands grands magasins américains aux créateurs et professionnels de la mode.
Le 12 février 1951, date du premier défilé collectif de mode italienne organisé par Giorgini, est considérée non seulement comme la date de naissance officielle de la mode italienne mais aussi comme la création du label « Made in Italy », marquant la reconnaissance internationale de la créativité et de l'artisanat italiens. excellence. Le défilé de mode a eu lieu dans les salons de sa résidence de la Villa Torrigiani, suite aux événements de Paris. En présence de six des plus grands acheteurs américains, treize maisons de couture italiennes ont présenté leurs créations : neuf ateliers de haute couture de Rome et de Milan et quatre maisons de couture.
Parmi eux se trouvait Pucci, le seul couturier local. Les invités américains ont été enthousiastes et les cinq journalistes italiens présents ont assuré une grande visibilité à l'événement. La consécration définitive eut lieu en juillet 1951, lors de la deuxième édition de l'événement, où le nombre de maisons de couture italiennes participantes passa de treize à quinze et le nombre de modèles présentés de 180 à 700. à plus de 300. Pour les accueillir, les spectacles ont été déplacés dans un nouveau lieu, le Grand Hôtel.
Giorgini avait misé sur un élément crucial du premier défilé : le lien étroit entre les créations de mode italiennes et l'héritage des traditions artistiques et artisanales du passé, pour lequel seule la ville de Florence pouvait offrir le cadre idéal. Ainsi, pour sa quatrième édition en juillet 1952, le déménagement de l'événement dans la Sala Bianca du Palais Pitti complète la vision de Giorgini, faisant de Florence la capitale de la mode italienne et la vitrine parfaite de la nouvelle alliance entre mode, art et tradition. La mise en scène de Giorgini a été la clé du succès, avec son style unique runway l'organisation d'événements sociaux en marge des défilés et la mise en valeur de la maille, de la mode boutique et des accessoires comme de véritables nouveautés par rapport à la haute couture française.
Cependant, la haute couture a fait son temps et son déclin est autant un phénomène de société que de marché. Un nouveau paradigme de la mode est apparu, moins élitiste et moins aristocratique, dans lequel ce ne sont plus les échelons supérieurs de la société qui dictent et façonnent les normes de la mode ; au lieu de cela, cette responsabilité est devenue la responsabilité de classes aux statuts culturels et sociaux plus modestes. Giorgini en était parfaitement conscient, mieux placé que quiconque pour assister au déclin de l'éclat des événements, tant en termes de participation des maisons de couture que d'implication des acheteurs et de la presse.
Malgré ces défis, il continue sans relâche d'organiser les défilés, toujours sous le signe de l'innovation avec les premiers modèles de prêt-à-porter (1956), de vêtements pour adolescents (1962) et de lingerie féminine (1964). Il a facilité le lancement de nouvelles marques de mode italiennes telles que Lancetti (1961) et Valentino (1962) pour la haute couture, et Krizia et Mila Schön pour la catégorie « boutique ». Cependant, en 1965, face à des difficultés et à des défections constantes, Giorgini décide de se retirer, abandonnant le contrôle et l'organisation des événements. Sa retraite marque le déclin du Palais Pitti et particulièrement de Florence sur la scène internationale.
Le retrait de certains des plus grands noms de la haute couture nationale et l’accent croissant mis sur la mode boutique ont progressivement érodé le prestige et l’image des défilés florentins, les réduisant à une simple « fête foraine ». Malgré l'expansion des événements au Palazzo Pitti, qui a vu à partir de 1972 la première édition de « Pitti Uomo », consacrée aux vêtements et accessoires pour hommes, suivie par « Pitti Bimbo » en 1975, « Pitti Filati » en 1977 et enfin « Pitti Casual » en 1978 pour les vêtements de sport de loisirs, et « Pitti Casa », les années 1970 voient Florence se transformer en centre d'expositions. La fermeture de la Sala Bianca en 1982 et la fin définitive des événements « Pitti Donna » en 1984 ont définitivement établi Milan comme la nouvelle plaque tournante du prêt-à-porter et du style italien.
Milan et le design de mode
L'ascension de Milan au rang de capitale internationale du prêt-à-porter a commencé au milieu des années 1970, sous l'impulsion d'un groupe de jeunes créateurs qui ont décidé de se détourner des défilés de Florence et de présenter leurs propres collections à Milan. La presse internationale s'est rapidement fait l'écho de l'événement, d'autant plus qu'il coïncidait avec le vingt-cinquième anniversaire de la naissance de la mode italienne.
En choisissant Milan, les créateurs ont échappé à Florence, devenue un symbole de contraintes qui étouffaient la créativité et les affaires. Loin du Palazzo Pitti, ils pouvaient sélectionner plus judicieusement les acheteurs, présenter librement des collections dépassant la limite de vingt modèles imposée lors des défilés collectifs de Florence et choisir une mise en scène mettant le mieux en valeur leurs collections individuelles.
En 1981, quelques années seulement après ces débuts hésitants, le principal journal financier italien consacrait pour la première fois un article aux « défilés de mode sophistiqués qui ont attiré l'attention des principaux acheteurs du monde entier sur Milan », reconnaissant le rôle de la ville dans le renouveau. de la mode italienne. Les créateurs qui ont propulsé la capitale lombarde sur le devant de la scène internationale de la mode ont été formés en collaboration avec de grandes entreprises industrielles et ont appris à devenir des entrepreneurs et des gestionnaires de la créativité.
Dolce & Gabbana : le symbole de l'élégance italienne
Fondée en 1985 par Domenico Dolce et Stefano Gabbana, Dolce & Gabbana est l'une des principales marques de mode italienne.
Connue pour son style glamour et audacieux, Dolce & Gabbana a captivé les célébrités et les passionnés de mode du monde entier. La première collection de la marque, présentée lors de la Fashion Week de Milan en 1986, se distingue par son originalité. Les créations de Dolce & Gabbana s'inspirent de la culture italienne et célèbrent les motifs traditionnels, tels que les fleurs, les fruits et les animaux. Dolce & Gabbana a également été parmi les premières marques de mode à utiliser les réseaux sociaux media pour promouvoir ses collections. Avec des réseaux sociaux innovants media Grâce à ces campagnes, la marque a touché un public plus large et s'est constitué une clientèle fidèle. Aujourd'hui, Dolce & Gabbana opère à l'échelle mondiale et propose une gamme diversifiée de produits, de la haute couture et de la maroquinerie aux accessoires et parfums.
MODE ET CULTURE EN ANGLETERRE
La « mode anglaise » classique ou le « style britannique » existe depuis le XIXe siècle. Le designer William Morris, père du mouvement Arts & Crafts, est à l’origine d’un « style anglais » distinct qui caractérise encore aujourd’hui la mode anglaise classique.
L'ère victorienne, marquée par l'ascension d'Alexandrina Victoria de Kent, fille du duc de Kent, marque l'émergence d'une monarchie plus moderne et en phase avec les aspirations de la société que celle de son oncle. Au cours de son règne, la Grande-Bretagne a connu de nombreux progrès, notamment dans les domaines de l'industrie, de la science et de la technologie, mais elle a également été confrontée à des défis après le règne de la reine Victoria, avec le déclin de l'Empire britannique en tant que puissance mondiale sous les règnes de George IV et de Guillaume IV. La reine Victoria a laissé une empreinte durable dans l'histoire avec ses préférences et sa vie liées à cette période importante.
Pendant le règne de la reine Victoria, depuis son ascension en 1837 jusqu'à sa mort fin janvier 1901, la Grande-Bretagne a subi des transformations dans tous les domaines, y compris les nations qui étaient à cette époque des protectorats ou des colonies britanniques, formant ainsi le Commonwealth. L'empire s'étendait loin, avec la reine Victoria comme impératrice des Indes, dominant les mers depuis son trône.
Beaucoup de gens associent la période victorienne au romantisme, à l’élégance et à une époque révolue qui reflète l’innocence d’une époque antérieure à l’immense bouleversement culturel du XXe siècle.
Mode victorienne inspirée de la reine Victoria
La mode de l’époque était fortement influencée par la reine Victoria elle-même. Sa Majesté était connue comme une icône de style tout au long de son règne, et son style personnel était souvent imité par les femmes de Londres. Cela a donné naissance aux tendances, qui étaient initialement plus légères et colorées au début de son règne, puis sont devenues plus austères et gothiques pendant sa période de deuil.
Les femmes portaient des vêtements tels que des robes longues et ajustées avec des jupons en dessous pour créer un effet volumineux. Ils préféraient les robes élégantes, les corsets et les bottes. Les bottes à boutons, les bottes à enfiler et les bottes à lacets étaient distinctives de cette époque.
Au cours des années 1840 et 1850, les robes des femmes présentaient des épaules étroites et tombantes, une taille cintrée en triangle pointant vers le bas et des jupes en forme de cloche. Les sous-vêtements comprenaient un corset, une jupe jusqu'aux chevilles et plusieurs couches de jupons à volants. Vers 1850, le nombre de jupons diminue à mesure que les crinolines deviennent populaires, augmentant ainsi la taille des jupes. Les robes de jour avaient un corsage uni, tandis que les robes du soir étaient décolletées, laissant les épaules nues. Ces tenues étaient généralement complétées par un châle et des gants qui s'étendaient juste au-dessus du coude.
Dans les années 1860, les jupes s'aplatissent sur le devant et s'arrondissent à l'arrière. Les tenues de jour comprenaient souvent des manches pagode et des cols hauts ornés de dentelle frivole. Les robes du soir, profondément découpées au niveau du décolleté et à manches courtes, étaient portées avec des gants courts ou des mitaines au crochet. À partir des années 1870, les robes d'intérieur sont devenues moins structurées, abandonnant les corsets pour les occasions informelles, et les fronces ont remplacé les crinolines.
À la fin du XIXe siècle, les styles vestimentaires se simplifient : les tournures et les crinolines tombent de mode et les robes sont portées moins serrées. Les corsets sont restés mais ont été allongés, donnant aux femmes une légère silhouette en forme de S. Les jupes prenaient une forme de trompette, étaient bien ajustées sur les hanches, cintrées à la taille et s'évasaient au-dessus du genou. Parallèlement, les gammes de vêtements conçues pour le sport sont devenues populaires, s'adressant à des activités comme le cyclisme, le tennis et la natation.
Les hommes de l’époque portaient généralement des costumes trois pièces avec des vestes longues et des pantalons ajustés. Les tenues de dandy distinguées, telles que les redingotes et les hauts-de-forme ou les chapeaux melon, étaient très populaires. Les accessoires étaient également cruciaux, avec des nœuds papillon, des gants et des foulards ajoutant une touche de sophistication à chaque tenue.
En 1807, la production massive de vêtements dans les usines et leur vente en magasin à prix fixe commencent à s'accélérer. La couture à domicile était encore courante mais a commencé à décliner. Les nouvelles machines ont changé la façon dont les vêtements étaient confectionnés.
L'introduction de la machine à coudre au milieu du XIXe siècle, qui permettait un point verrouillé, a simplifié la confection de vêtements à la maison et en magasin. Ce progrès mécanique a facilité l’application de diverses décorations complexes difficiles à réaliser à la main. Les machines à fabriquer de la dentelle réduisaient considérablement le coût de la dentelle, la rendant ainsi plus populaire.
Parmi les nouveaux matériaux provenant de terres lointaines de l'Empire britannique figurait le caoutchouc, utilisé pour fabriquer des bottes en caoutchouc et des manteaux Mackintosh. Les chimistes ont développé des colorants synthétiques plus brillants et plus durables que les colorants naturels.
Chapeaux
Au cours des premières décennies de l’ère victorienne, les jupes volumineuses soutenues par des structures en cerceaux constituaient l’élément central de la tenue féminine. Les chapeaux, conçus pour compléter la silhouette sans la distraire, restent modestes en taille et en apparence. Le bonnet « invisible », porté à la fin de la Régence, avec son bord circulaire reflétant la forme en cloche des jupes, finit par s'allonger au point d'obscurcir le visage de celui qui le portait.
Vers 1870, à mesure que les silhouettes s’affinent, les chapeaux rétrécissent et se placent en avant sur le front. Les coiffures sont devenues plus complexes, avec des postiches bouclés ajoutant du volume aux cheveux naturels.
Vers la fin de cette période, la silhouette à la mode ressemblait à un triangle vertical et les chapeaux à larges bords devenaient à la mode. Ces chapeaux étaient richement ornés de compositions florales en soie, de rubans et de plumes exotiques, dont les plus convoitées provenaient d'oiseaux presque exterminés dans les Everglades de Floride.
Steampunk – la version fantastique de l'ère victorienne
L’ère victorienne, marquée par des technologies avancées comme le chemin de fer, est une période privilégiée pour le mouvement Steampunk. Les moteurs à vapeur, les engrenages et toutes sortes de mécanismes sont des thèmes centraux… Les inventions et technologies modernes sont réinventées, ce qui est l'essence même du Steampunk.
Sous le règne de la reine Victoria, les bijoux étaient souvent fabriqués à la main.
En Grande-Bretagne, les artisans étaient fréquemment sollicités pour fabriquer des broches, des bagues et des colliers, souvent commandés comme cadeaux, reflétant un niveau de savoir-faire important. D’un autre côté, certains bijoux étaient également fabriqués en usine, en utilisant des techniques de base, sous la supervision d’un bijoutier expérimenté, le prolétariat servant de main-d’œuvre pour la production.
Les bijoux de l’ère victorienne étaient souvent très ornés, comportant de nombreuses pierres précieuses et des montures complexes. Les bijoux de deuil étaient également à la mode pendant la période victorienne, notamment les camées et les bijoux fabriqués à partir de poils humains ou d'animaux. Les Victoriens moins riches utilisaient des matériaux moins chers comme le verre et la nacre, mais ces pièces restaient élégantes et décoratives.
Le style des bijoux victoriens est assez distinctif, caractérisé par l'utilisation de jais, de diamants et de corail. Il a tendance à être lourd et orné, donnant une impression de richesse et de luxe. Bien que le style victorien puisse sembler un peu démodé à l'œil moderne, il reste très populaire, de nombreuses entreprises proposant des reproductions de bijoux inspirées de véritables pièces victoriennes.
Nommée en l'honneur de la reine Victoria, qui régna au XIXe siècle, la mode victorienne est connue pour ses jupes longues, sa dentelle complexe et ses corsages à col haut. Même si la création d’une tenue d’inspiration victorienne peut sembler demander beaucoup de travail, le résultat en vaut vraiment la peine. L'ajout de quelques éléments mécaniques ou l'association avec des accessoires comme un chapeau haut de forme peut faire une impression saisissante.
Bottes victoriennes
Les bottes victoriennes à lacets étaient particulièrement populaires auprès des femmes et leur style unique est encore apprécié aujourd'hui. Les reproductions authentiques sont souvent réalisées avec les mêmes matériaux que les bottes à lacets victoriennes originales et sont disponibles auprès de diverses sources. Certaines personnes peuvent préférer les bottes en matériaux synthétiques plutôt qu'en cuir, pour des raisons de coût ou de préférences personnelles.
Les bottes victoriennes pour femmes se déclinent en deux styles principaux.
Ils sont disponibles en coupe basse et haute, avec des couleurs variées telles que le vert, le rouge et le blanc, bien que le noir et le marron restent les choix les plus courants. Les lacets courent généralement sur le devant de la chaussure, du pied jusqu'au sommet de la botte, et les talons mesurent généralement entre 2 et 3 pouces de haut, en forme de sablier. La caractéristique la plus distinctive des bottes à lacets victoriennes pour femmes est leur bout très pointu et étroit, qui peut nécessiter l'achat d'une taille plus grande que d'habitude pour garantir que les orteils ne soient pas trop comprimés.
Cette tendance nous fera découvrir de grands créateurs comme Vivienne Westwood et John Galliano.
CONCLUSION
Les grandes Fashion Weeks de Londres, Milan et Paris mettent chacune en valeur leur créativité, reflet de leur riche histoire et de leurs parcours. Chaque ville présente des créateurs qui s'inspirent de l'histoire de la mode et de leurs histoires personnelles. Une démarche sincère, mais est-ce encore le cas aujourd'hui ? C'est incertain.
Il faut se méfier du fait que la désirabilité n’est pas seulement une tactique de marketing. Si tel est le cas, la marque ou la maison de couture en question risque de ne pas perdurer sur le long terme.
La mode doit faire rêver et continuer à être un phénomène de société.
N'oublions pas que la mode est l'ambassadrice la plus glamour !
