Récapitulatif de la Fashion Week de Paris printemps-été 2024, ou ce que les marques de luxe ne voulaient pas vous montrer Chronique d'Eleonora de Gray, rédactrice en chef de RUNWAY MAGAZINE. Crédits photos : BFMTV / GettyImages / Dior / Balmain / Balenciaga / Valentino / Saint Laurent / Undercover / Ginevra Fatarella.

Présentation de la Fashion Week de Paris saison Printemps Été 2023 2024

La Fashion Week de Paris s'est déroulée comme aucune autre, et pour quelqu'un comme moi, qui assiste aux défilés à Paris, Milan et New York depuis plus de deux décennies, les changements étaient indéniables. Au fil des années, des générations de créateurs se sont succédées, les marques de mode ont modifié leurs stratégies marketing et les tendances ont évolué.

Cette année, cependant, j'ai eu l’impression d’être enfermée dans une petite communauté isolée. Le monde de la mode semble désormais isolé, détaché de la vie réelle et obsédé par la superficialité. La mode, autrefois à l’avant-garde de l’expression personnelle et de l’innovation, se retrouve désormais confinée dans une minuscule bulle. Cette bulle, éloignée des préoccupations de la vie quotidienne, existe dans une branche de superficialité qui semble avoir rompu tout lien avec le monde réel et ses habitants.

Le style personnel a viré au cirque de l’excès et de la vulgarité. Les démonstrations exubérantes de style personnel se sont transformées en une simple clownerie, laissant derrière elles le talent artistique subtil qui définissait autrefois cette industrie. Les marques, autrefois vénérées et convoitées, passent désormais inaperçues, alors que l’intérêt collectif à leur égard se réduit à un chuchotement.

À l’heure des préoccupations pressantes telles que le changement climatique et la dégradation de l’environnement, l’ignorance flagrante de l’industrie de la mode est difficile à comprendre. La présence de « célébrités » méconnues aux défilés ne fait que souligner le décalage de l'industrie de la mode avec la réalité, et n'est pas du tout amusant.

Dans ces moments-là, je n’ai pas pu m’empêcher de réfléchir aux origines de tout ceci, en essayant de comprendre où nous en sommes aujourd’hui. La Fashion Week de Paris 2023 m'a donné le sentiment d'être une étrangère dans un pays autrefois familier. Il est temps pour l’industrie de redécouvrir son essence, de renouer avec la réalité et d’accepter l’urgence de notre époque. Il est temps de réfléchir à d’où nous venons et vers où nous allons. Toutes ces préoccupations soulèvent des questions sur les racines de l’industrie de la mode au 21e siècle, les principes sur lesquels elle a été fondée et le précipice dans lequel elle semble se diriger.

En réfléchissant à cette transformation déconcertante, je ne peux m'empêcher de me demander ce qui est arrivé à cette industrie et pourquoi elle est devenue si désespérément dégénérée. La Fashion Week parisienne d’antan, caractérisée par son élégance et son génie créatif, semble n’être qu’un lointain souvenir. À sa place, nous nous retrouvons désormais dans un monde qui ressemble souvent plus à un cirque qu’à une célébration du style et de la substance.

Histoire de l'industrie de la mode

Depuis l’aube de la culture humaine, notre fascination pour l’apparence personnelle est évidente. Les vêtements et les bijoux, au design complexe, ont longtemps servi de formes d'expression de soi et de décoration. Ce concept de mode est étroitement lié à la culture elle-même depuis sa création, reflétant l'essence de l'identité humaine dans son environnement. La conscience de notre apparence est restée une facette centrale de notre existence.

Au fur et à mesure que les sociétés ont progressé et que nous avons commencé à estampiller des pièces d’argent et d’or pour payer les biens et services, cela est devenu un tournant dans notre culture. Cette transition a conduit à la stratification de la société humaine en différentes castes. La mode est devenue un attribut distinctif, un marqueur visuel du statut de chacun. Plus on possédait de pièces de monnaie, plus grande était la capacité d’acquérir des œuvres d’art exquises, de se parer et de se démarquer des castes inférieures.

Le temps est passé et les XVIIIe et XIXe siècles ont vu l’essor de l’industrialisation. La production de tissus et de matériaux précieux est devenue une activité industrielle. Cependant, l’essence de notre approche de la mode et des créateurs resta inchangée. Les tailleurs/créateurs ont continué d'inviter leur clientèle distinguée, les invitant dans leurs showrooms pour donner vie à leur image. Au coeur de ce processus créatif, sont nés des vêtements exceptionnels et uniques, incarnant l'individualité et les aspirations de ceux qui les portaient. Ce lien entre la mode, l’art et l’expression personnelle a transcendé les âges, restant une facette intemporelle de notre culture.

Premier défilé de mode et première Fashion Week

L'évolution de la mode a fait un bond en avant significatif grâce aux efforts pionniers de Charles Frederick Worth, créateur de mode anglais qui a fondé la Maison Worth à Paris en 1858. L'approche visionnaire de Worth a transformé le paysage de la mode, ce qui lui a valu le surnom de « père de la haute couture ». Il a introduit le concept des saisons et a orchestré les tous premiers défilés de mode.

Ce changement capital a marqué la naissance de l’industrie de la mode telle que nous la connaissons aujourd’hui.

Au début du XXe siècle, d'illustres designers tels que Jean Patou, Coco Chanel, Christian Dior, Pierre Balmain, Cristóbal Balenciaga, et bien d’autres ont honoré la scène de la mode. Ils étaient les esprits créatifs derrière des innovations de mode époustouflantes, des chefs-d’œuvre artistiques adaptés aux familles royales, aux aristocrates et à la bourgeoisie aisée. Cette époque a été témoin de l'apogée de la haute couture, où chaque vêtement était un témoignage du savoir-faire et du luxe qui définissaient l'industrie.

Un autre moment charnière est survenu avec la naissance du concept de la fashion week à Paris. Les spécialistes du marketing ont reconnu le pouvoir de présenter des articles de couture dans les espaces publics, des hippodromes aux salons de beauté, en embauchant des mannequins pour porter ces créations. C'est à Paris que la première fashion week a vue le jour, organisée par le secteur. En octobre 1973, la Fashion Week de Paris s'impose comme un événement révolutionnaire, organisé par la Fédération Française de la Couture. Elle a réuni la haute couture, le prêt-à-porter et la mode masculine dans une vitrine cohérente, ouvrant la voie au phénomène mondial que sont devenues les fashion weeks.

Ces moments cruciaux, depuis les innovations de Worth jusqu'à la naissance de la Fashion Week de Paris, ont propulsé la mode de statut artisanal à une industrie artistique florissante, façonnant à jamais la façon dont nous percevons, consommons et célébrons le style.

De l'art à l'extravagance : la révolution de la mode d'Andy Warhol

Dans les années 1970, un croisement remarquable entre l’art et la mode a donné naissance à ce que nous appelons aujourd’hui l' «extravagance de la mode.« À cette époque, la mode a transcendé son rôle conventionnel de simple activité commerciale et s’est transformée en un domaine dynamique de créativité et d’expression de soi. C’est devenu une forme d’art, motivée non seulement par le profit mais avant tout par l’exploration illimitée des possibilités artistiques. Cette période de transformation a marqué une rupture avec les notions traditionnelles de la mode et a plutôt embrassé une nouvelle aventure centrée sur l’esprit artistique débridé et la quête de l’expression de soi.

Dans les années 1970, émerge une figure marquante qui marquera à jamais le paysage de la mode : Andy Warhol. En tant qu'icône pionnière du pop art, Warhol a commencé sa carrière en tant qu'illustrateur de mode, laissant une marque indélébile sur des publications réputées comme Glamour, Mademoiselle et Vogue. Pourtant, l’influence de Warhol s’étendait bien au-delà du domaine de l’illustration ; il était un pionnier qui mélangeait harmonieusement art et mode.

L'héritage de Warhol a été défini par son approche innovante consistant à transformer ses œuvres en pièces de mode tangibles. À travers ses défilés de mode artistique avant-gardiste, organisés à The Factory à New York, il a introduit un nouveau chapitre dans l’histoire de la mode. Ces événements ont dévoilé des créations de mode extravagantes et artistiquement conçues, comblant efficacement le fossé entre les mondes de l'art et de la mode et brouillant les frontières.

L'innovation de Warhol a marqué le début d'une nouvelle ère de la mode, une époque où l'extravagance s'entremêle avec l'expression d'un style personnel à travers des créations artistiques. La mode est devenue un instrument puissant pour transmettre des sentiments sur le monde, une toile artistique pour exprimer sa personnalité. Cela a marqué un changement, non seulement dans la tenue vestimentaire, mais dans la manière même dont les individus communiquaient leur point de vue sur la culture, la société et les défis du monde.

À partir de ce moment-là, les rues ne furent plus seulement ornées d'individus élégamment habillés ; des gens artistiquement parés ont émergé, privilégiant l’art à l’élégance. Leurs choix vestimentaires sont devenus un moyen d'exprimer leurs points de vue sur la société, l'écologie et le social. issues, parfaitement intégrés à leur style personnel.

Ce mouvement n'était ni ridicule ni détaché ; bien au contraire, c’était un moyen d’exprimer un point de vue unique sur la culture et la société. L’« extravagance de la mode » était arrivée, et avec elle, une nouvelle façon de transmettre des messages plus profonds à travers le langage du style.

Je ne dirais pas que chaque individu habillé de manière extravagante était un grand intellectuel. Cependant, il était indéniable que chacun d’eux avait une profonde compréhension de la signification de chaque œuvre d’art qu’ils portaient. Leur choix de porter des vêtements extravagants n’avait pas pour but d’être remarqué comme un clown mais avait un but précis : exprimer leurs opinions. Chaque vêtement qu'ils portaient était une expression délibérée, une déclaration, une signification.

De l’art au profit : la transformation de la mode en une machine à gagner de l’argent de luxe 1980-2010

Entre les années 1980 et le début des années 2000, le monde de la mode a connu une époque remarquable marquée par le grand génie de créateurs tels que Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Franco Moschino, John Galliano, Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier et bien d'autres. Pourtant, sous la surface de cette extraordinaire scène de la mode, un changement profond était en train de s’opérer : une évolution de la créativité et du talent artistique vers une recherche incessante du profit, transformant la mode en une véritable machine à gagner de l’argent.

Deux hommes d’affaires influents, Bernard Arnault (LVMH) et François Pinault (Kering), ont joué un rôle central dans la refonte du paysage de la mode au cours de cette période. Ils ont redéfini l’essence même du « luxe » en injectant des capitaux substantiels dans l’industrie. Ce faisant, ils ont donné du pouvoir aux créateurs, mais ont également gonflé considérablement les prix des vêtements dans la quête du prestige de la marque. Cette transformation a donné naissance au concept de « marque de luxe ». Leur approche privilégiait cependant le profit plutôt que la créativité, un changement qui entraîna des conséquences dramatiques.

Derrière la façade glamour de la mode, nous avons assisté au retrait de la scène de Thierry Mugler, au suicide tragique d'Alexander McQueen et au combat de John Galliano contre la toxicomanie, laissant Dior dans la tourmente. Le contexte de l’industrie est devenu de plus en plus impitoyable.

Le moment charnière est survenu entre 2000 et 2010, lorsque la créativité est passée au second plan par rapport à la production, marquée par un cycle incessant de vêtements sur quatre saisons. L’accent s’est déplacé vers des stratégies marketing agressives visant à encourager une consommation excessive de produits de luxe.

Dans ce nouveau paradigme, le « luxe » en est venu à englober non seulement l’exclusivité mais aussi l’utilisation de matériaux exceptionnellement rares, notamment des peaux d’animaux rares et des pierres précieuses. Le paysage de la mode a subi une transformation significative, où la recherche de la créativité et de l’expression artistique a été éclipsée par une quête inébranlable du profit et de la commercialisation du luxe.

À cette époque, la fascination du public pour la mode et les créateurs de mode est restée fervente, avec une profonde appréciation pour le talent artistique et la créativité. Les spécialistes du marketing n'avaient pas encore besoin d'employer des tactiques pour inciter le public à acheter ces modèles. Des experts et medias se concentrèrent avec des avis perspicaces, sur les créations et les vêtements, plutôt que de générer simplement du buzz.

Qu'est ce qui a changé?

Marques de luxe et changement de stratégies marketing 2010-2020

Entre 2010 et 2023, l’industrie de la mode a connu une transformation significative, remodelant la dynamique traditionnelle du secteur de la mode. Durant cette période, les marques de luxe ont pris la décision stratégique de prendre le contrôle de leurs histoires, éliminant ainsi le besoin de recourir à des experts externes ou à des rédacteurs de mode. Ils ont préféré exprimer leur opinion sur eux-mêmes au public sans interférence « de l’extérieur ». Car ces avis d’experts pourraient ne pas convenir. Ils ont choisi de communiquer directement avec le public.

 Et c’est ainsi que les influenceurs ont pris la place des experts. Les marques de luxe se tournent de plus en plus vers les blogueurs et les influenceurs au comportement personnel qui semblent donner souvent la priorité aux éloges superficiels. Les marques de luxe égocentriques ont donné la préférence aux influenceurs égocentriques, qui ne peuvent que dire "SENSATIONNEL" à propos de la collection et prendre des selfies sur place avec juste une phrase "J'ai été invité, WOW". 

L'évolution s'est poursuivie alors que les spécialistes du marketing des marques de luxe se sont aventurés à créer des communautés au sein des réseaux sociaux. Ces communautés ont strictement adhéré à la stratégie marketing prescrite, supprimant toute forme de réflexion critique. Ils ont commencé à interdire tout et tous ceux qui ne suivent pas aveuglément la stratégie marketing proposée, ou qui ne donnent pas leur avis, leur réflexion sur les produits de luxe proposés, sous contrôle. Les marketeurs ne veulent pas de réflexion, cela ralentit le processus d'achat. 

Le principe fondamental de cette stratégie marketing se résume à ceci : « Ne réfléchissez pas, achetez tout simplement. Ne pensez pas à l'écologie, achetez tout simplement, même si cet article est fait avec de la peau d'animal exotique, c'est rare, c'est du luxe, ne pensez pas à la façon dont cet animal rare a été écorché, achetez tout simplement, c'est du luxe, ne pensez pas si c'est une mauvaise copie d’une autre marque de luxe, il suffit de l’acheter, elle porte l’étiquette de notre marque.

OUAH!…

Ces stratégies de marketing égocentriques, associées à un mépris apparent pour une consommation responsable, ont conduit à un déclin de l'intérêt du public. Les consommateurs ont commencé à se désintéresser alors que les marques de luxe semblaient détachées des pressions comme les crises économiques, les pénuries alimentaires, les défis environnementaux, le réchauffement climatique et les préoccupations sociétales. Les individus, loin d’être des consommateurs passifs, recherchent un engagement plus substantiel.

Les marques de luxe, dans leur poursuite de stratégies marketing égocentriques, ont aliéné le public par inadvertance. Les gens ont voulu du respect et de l’engagement de la part de ces marques, et pas seulement une communication unilatérale. Le fossé grandissant est devenu évident dans l’écart entre les millions de « followers » des marques de luxe rassemblés sur les réseaux sociaux. medias et les commentaires limités, consistant principalement en des éloges superficielles.

Il arrive parfois qu’une marque de luxe réussisse à créer une tendance éphémère avec un seul produit (un fourre-tout Dior, par exemple), pour ensuite perdre de sa pertinence un an plus tard.

Essentiellement, les marques de luxe se sont retrouvées dans une bulle en déclin, perdant progressivement le contact avec l'évolution des intérêts du public à mesure que les fashion week se succédaient sans se faire remarquer.

Fashion Week de Paris 2023 – Saison Printemps Été 2024

Alors que la fashion week de Milan est, comme toujours, un grand lieu d'élégance et de grâce, cette fashion week parisienne a laissé un très mauvais goût. Des gens mal habillés ou avec un accoutrement bizarre, au comportement grossier, ont déferlé dans les rues avant l'entrée des spectacles, vérifiant avec leurs dents d'énormes de faux colliers « dorés », secouant certaines parties de leur corps, criant, défigurant les salons de luxe des hôtels avec des bombes colorées. – voilà à quoi ressemble la Fashion Week de Paris aujourd'hui. Voilà pour l’élégance et la grâce. Cette représentation vous semble-t-elle attrayante ?

Des papillons vivants mourant dans les jupes d'Undercover

On peut imaginer que cette approche vise à capter l’attention de la jeune génération, la génération Z. Cette génération émergente recherche activement son rôle dans le monde et est profondément investie dans divers domaines sociaux et écologiques. issues. Cependant, on ne peut s’empêcher de se demander si le placement de centaines de papillons vivants dans des jupes à bulles est un moyen efficace de transmettre un message sur la nécessité de protéger l’environnement. Mais qu’en est-il de ces papillons vivants qui meurent dans les jupes ? Brand Undercover a présenté ce concept non conventionnel dans le cadre de sa collection printemps-été 2024.

Acquisition par LVMH d'une usine espagnole spécialisée dans le dépouillement et le traitement des animaux exotiques

Qu'en est-il de la récente acquisition par Bernard Arnault, via LVMH, d'une usine espagnole spécialisée dans le dépouillement et le traitement d'animaux exotiques pour produire des sacs de luxe ? Il est intéressant de noter que Pharrell Williams, le nouveau directeur artistique de la mode masculine de LVMH, a manifesté un vif intérêt pour cette entreprise. Il a un penchant particulier pour les sacs de luxe en peaux de crocodile et de python, ainsi qu'un penchant pour la fourrure d'animaux exotiques. En juillet, il a dévoilé et vendu aux enchères plusieurs sacs en crocodile et manteaux de fourrure, chacun atteignant un prix faramineux d'un million de dollars. Cette décision extravagante s’est produite peu de temps après que le président Joe Biden l’ait contacté, lui rappelant qu’il était américain et que le traitement éthique des animaux était respecté aux États-Unis. Pourtant, Pharrell Williams pense qu'il n'est plus américain, il est LVMHien, et donc apparemment à l'abri de la correspondance officielle et officieuse d'organisations de défense des droits des animaux comme PETA (People for the Ethical Treatment of Animals), financée par le président Joe Biden lui-même. .

Un membre de PETA, vêtu de peau de python et de faux sang, a tenté d'attirer l'attention du public devant la boutique Louis Vuitton des Champs-Élysées dans le but de sensibiliser l'opinion. Cependant, le manifestant a été rapidement et sans ménagement expulsé par la police. Cette expulsion a eu lieu peu de temps après que le manifestant ait tenté d'engager des passants pour les exhorter à envisager de boycotter Louis Vuitton en raison de leurs inquiétudes concernant le traitement des animaux exotiques par la marque.

Quelqu'un nous a dit que nous avions le droit d'exprimer une opinion, que nous vivons en démocratie ? Cependant, il semble que le domaine de Louis Vuitton ne soit pas aussi réceptif à de telles expressions de dissidence.

Pharrell Williams 15 octobre – entretien avec Business Of Fashion. Il a parlé de sa vision de la mode et de l'avenir de Louis Vuitton. Pharrell porte un bomber en peau de crocodile, fils de… pharaon.

Un avenir radieux en effet.

Manifestant Peta au défilé Hermès

Au cours de cette semaine de la mode, les défenseurs de PETA ont participé à des manifestations lors de différents défilés. Un moment particulièrement dramatique s'est produit au défilé Hermès lorsqu'un partisan de PETA est sorti du public et s'est incrusté dans le défilé, tenant une pancarte appelant à la fin de l'utilisation d'animaux exotiques dans la production de produits de luxe Hermès. L'audace de ce geste a laissé une impression durable sur le public.

Des « célébrités » méconnues aux défilés de Paris

Du dramatique au complètement absurde. Chaque fois que nous recevons des images officielles d’une marque de luxe, j’examine invariablement la liste des célébrités invitées au défilé. Il est en effet rare que j'arrive à reconnaître une ou deux personnes parmi la cinquantaine de « célébrités » présentes. Cela soulève la question : Qui sont exactement ces gens ? Pourquoi sont-ils célèbres ? Et pourquoi la marque de luxe a-t-elle pris la peine de couvrir ses frais d'hôtel et de les styliser méticuleusement pour incarner l'essence de la nouvelle collection, alors que leur identité reste largement inconnue du public ?

Je me suis renseignée à ce sujet auprès d'un chargé de relations publiques qui m'a fait la lumière sur le sujet. Selon elle, la plupart de ces invités spéciaux sont généralement des acteurs, des chanteurs ou des influenceurs. On pense que leur présence confère une valeur significative à la marque, dans la mesure où leurs abonnés peuvent reproduire leurs choix de style et ensuite effectuer des achats. Et leur présence donne une valeur énorme à la marque, car les personnes qui les suivent verront leur look et l'achèteront également. Le font-ils vraiment ? Il en faut bien plus que ça ! 

Ainsi, selon le raisonnement d'un responsable des relations publiques, si un acteur d'une série Netflix inconnue, vue par, disons, par 100,000 personnes, était invité à un défilé de mode, on présume que cela entraînerait un gain de 100,000 nouvelles personnes. des adeptes de la marque de luxe et, potentiellement, des clients supplémentaires.

Eh bien, je ne suis pas d’accord, car je pense que cela ne correspond pas à la réalité. Par ailleurs, je dois aussi ajouter ici que cet acteur, ou chanteur, ou autre, ne publie rien sur son Instagram, premier gage de renommée pour les responsables des relations publiques. Et il y a très peu de chance que quelqu'un sur la planète Terre recherche cette personne sur Google et où elle se trouve pendant la fashion week à Paris. Nous avons donc fini par observer d’innombrables inconnus assis aux premiers rangs et habillés de manière ostentatoire, tout en attirant peu d’attention. Personne ne les a pris en photo hormis le photographe officiel d’une marque de luxe. 

Charlotte Casiraghi pour Chanel et la peur mortelle de s'ennuyer

Lors de cette fashion week, j'ai eu la chance de voir l'interview de Charlotte Casiraghi, figure marquante des campagnes marketing de Chanel. Elle récite des poèmes sur les podcasts Chanel, aux clients, etc. Elle est mannequin, mondaine, écrivaine, éditrice, équestre, journaliste, productrice de films et humanitaire. Elle est le deuxième enfant de Caroline, princesse de Hanovre, et de Stefano Casiraghi. Elle est onzième sur le trône de Monaco. Bref, elle se fait appeler Princesse de Monaco, et elle représente Chanel. Au cours de l’entretien, la conversation a une nouvelle fois abordé les crises écologiques, les préoccupations sociales et les craintes pour l’avenir. À un moment donné, un journaliste a posé une question sur ses craintes personnelles. En réponse, elle a partagé une préoccupation unique qui l’a touchée : "Aujourd'hui, il y a une peur qui m'inquiète plus que toute autre chose, c'est la peur du vide, la peur de l'ennui."  Cette déclaration a touché une large audience puisqu'elle a été diffusée devant plusieurs millions de téléspectateurs en France. Plusieurs medias ont remarqué le visage détaché de Chanel. Comment pensez-vous que cela contribue à la réputation de cette maison de luxe ?

Un déluge de La K-Pop à la Fashion Week de Paris

Cette fois-ci, nous avons assisté à un afflux sans précédent de garçons et de filles de K-Pop parmi les invités. Cette nouvelle vague de participants VIP semblait avoir remplacé les influenceurs. La K-Pop, abréviation de Korean Pop, a apporté un élément attachant à la scène. Cependant, il était évident que bon nombre d’entre eux ne parlaient ni français ni anglais, ce qui laissait peu de place à une interaction significative. Leur objectif principal semblait être de se mettre en valeur dans leurs jolies tenues plutôt que de prêter attention aux collections présentées ou aux défilés. Et cela rassemblait à l'entrée de chaque spectacle beaucoup de très jeunes curieux de les voir. 

Même devant le spectacle Pierre Cardin, j'ai été surprise par le nombre énorme de jeunes rassemblés. À ma grande surprise, lorsque j'ai posé des questions sur leur présence, beaucoup d'entre eux ne connaissaient pas l'héritage de Pierre Cardin. Leur principale raison de se trouver devant l'entrée du spectacle était d'apercevoir des personnalités de la K-pop susceptibles de faire leur apparition. La même scène que j'ai remarquée avant chaque spectacle, avec une multitude de jeunes participants enthousiastes applaudissant non pas le créateur, mais en prévision d'un potentiel artiste de K-pop.

Cette stratégie sert à récolter des claqueurs « gratuits », au profit des enregistrements vidéo officiels. Cependant, en termes de contribution à la Fashion Week de Paris ou aux créateurs eux-mêmes, la réponse semble être « RIEN ».

Clackers « gratuits » pour Balmain ou reconnaissance algorithmique pour Dolce & Gabbana

De nombreux designers ont réalisé de nombreuses vidéos de ces jeunes claquants « libres », comme Olivier Rousteing de Balmain, par exemple. Après son fiasco massif aux États-Unis et les coupes budgétaires, il opte pour un spectacle public. À peine deux semaines avant son émission, il a fait la une des journaux en affirmant media que toute sa collection avait été volée à l'aéroport, une déclaration qui, bien sûr, a fait sourciller les journalistes et le public. C’est probablement vrai puisque toutes les pièces Balmain sont conçues et produites en Chine. Mais nous n’avons jamais eu de suivi sur ce qui s’est réellement passé et si les « voleurs » ont finalement été arrêtés. 

Olivier Rousteing est connu dans le monde professionnel pour reproduire les pièces de Chanel, Thierry Mugler, Louis Vuitton, Gucci, Moschino etc. Lors de la fashion week, il a dévoilé une collection comprenant environ 60 pièces, qui ressemblaient presque exactement aux pièces de Dolce & Gabbana de Recueils de dévotion. 

Olivier Rousteing, vous avez peut-être oublié qu'Instagram dispose d'une fonctionnalité qui vérifie et étiquette les produits, fournissant même des informations sur le magasin. Chaque image que nous avons publiée sur notre Instagram est reconnue par l'algorithme Instagram comme étant Dolce & Gabbana, fournissant les adresses des magasins où acheter. Cela soulève une question simple : comment peut-on Olvier Rousteing, être toujours le directeur créatif de cette maison de couture ?

Rhapsodie Balenciaga et Merlyn Menson

La collection Printemps Été 2024 de Balenciaga, sous la direction de Demna Gvasalia, a plongé plus profondément dans un domaine de ce qui ne peut être décrit que comme une pure absurdité et une provocation. La notion de « concept » dans ce contexte apparaît comme une excuse à peine voilée pour ce que l’on ne peut qualifier que de déformation de la mode et de descente dans la perversité. La collection printemps-été 2024 de Balenciaga semble se complaire dans la controverse pour le plaisir, avec un méli-mélo d'influences et de choix qui défient l'entendement. C'est une collection qui soulève de sérieuses questions sur l'orientation de l'industrie de la mode et sa responsabilité de promouvoir un discours culturel positif et significatif.

La collection Printemps Été 2024 de Balenciaga semble être une autre rupture avec la mode conventionnelle. Il semble embrasser des éléments de subversion, intégrant différentes influences et choix non conventionnels. La mode est souvent le reflet de changements culturels et sociétaux, et des créateurs comme Demna Gvasalia sont connus pour leur capacité à provoquer la controverse.

La collection printemps-été 2024 de Balenciaga, sous la direction de Demna Gvasalia, s'enfonce plus profondément dans un domaine qui ne peut être décrit que comme une pure absurdité et une provocation. La notion de « concept » apparaît dans ce contexte comme une excuse à peine voilée pour ce que l’on ne peut qualifier que de déformation de la mode et de descente dans la perversité.

Ce qui laisse vraiment perplexe, c'est la décision d'enrôler des critiques et des journalistes connus pour se pavaner. runway. Cathy Horyn, critique de mode respectée et journaliste du New York Times, Diane Pernet, blogueuse américaine connue pour son esthétique noire espagnole, et même la propre mère de Demna Gvasalia figuraient parmi les « modèles » inattendus. L'inclusion d'Amanda Lepore, artiste de performance, et de Loïk Gomez, mari de Demna, dit BFRND, artiste de musique techno-symphonique, ajoute une couche d'aléatoire ahurissant à ce spectacle.

Et puis il y a le choix troublant de clôturer le défilé avec une mariée Balenciaga, qui ressemblait à une « nouvelle mariée » pour Marilyn Manson. Manson, dont les actions ont inspiré des meurtres aux États-Unis, ne devrait être glorifié dans aucun contexte de mode. 

On pourrait encore penser que tout cela est « une expression artistique ». Mais le résultat est là et aussi simple que cela : des milliers de pièces Balenciaga ont mariné dans des magasins comme Saks et Bloomingdale's ces dernières années. Personne ne veut les acheter. 

Je fais cet « ajout spécial » le 11 novembre, simplement pour montrer le point. Saks Fifth Avenue a récemment envoyé à tous ses clients une newsletter concernant les pièces Balenciaga 834 en ventes massives de 30 à 70 %. J'ai pu repérer des pièces présentées en mai 2022 de la collection Balenciaga x Adidas, etc. Saks, comme beaucoup d'autres grands magasins, ne sait pas comment se débarrasser de cet énorme stock de vêtements Balenciaga « indésirables ».

Et c'est la réalité de tout cela. Mais Balenciaga et sa société mère Kering tentent apparemment de cacher ces résultats.

Dior Printemps Été 2024 Prêt-à-Porter « Sorcellerie et Monstres, ou Les sorcières des temps modernes enchantent »

La collection Printemps Été 2024 de Dior, « Sorcellerie et Monstres, ou Les sorcières des temps modernes enchantent », " est un changement ahurissant par rapport à l'esthétique typiquement élégante et sophistiquée de la marque. La vision de Maria Grazia Chiuri de sorcières se transformant en monstres est malheureusement exécutée d'une manière qui manque de goût et de raffinement. Les messages féministes affichés sur les murs, bien qu’importants, semblent déplacés et forcés, tentant de compenser le manque de cohérence des conceptions. La déclaration : « Le fuchsia avec du jaune n'est pas une guimauve ; c'est ma façon de mettre en évidence ce qui ne va pas et ce qui est bien », cela ressemble plus à une tentative désespérée de sauver une collection qui ne répond pas aux attentes. La palette de couleurs composée de frêne, de camomille et de potions d'amour ne fait que rendre la collection encore plus sombre et peu attrayante. La transformation du motif Mille-fleurs emblématique de Dior en un motif sombre n'a pas la sophistication que l'on pourrait attendre de la marque.

Là où il fait sombre, il y a toujours une lumière à la fin de la Fashion Week de Paris

Je souhaite terminer cette petite chronique philosophique/historique sur une note positive. Plusieurs collections présentées cette fashion week ont ​​retenu toute mon attention et m’ont époustouflé. Parmi eux, il convient de noter les collections de Valentino, Saint-Laurent, Elie Saab, Schiaparelli, Givenchyet Unrealage.

Collection de Valentino pour le printemps été 2024 est un chef-d'œuvre qui allie élégance, jeunesse et un profond message d'autonomisation. L’une des caractéristiques marquantes de cette collection est la présentation de la nudité comme un état naturel plutôt que comme un moyen de provocation. Cette approche remet en question les notions conventionnelles de mode et de forme féminine. Le tissu est sculpté en formes tridimensionnelles sans couture à l'aide de la technique innovante connue sous le nom de Altorilievo (Haut-Relief). Ces formes naturalistes, inspirées de motifs baroques, encadrent le corps nu, brouillant les lignes entre le vêtement et le corps lui-même.

Valentino est une maison de couture italienne et Pierpaolo Piccioli est un créateur de mode italien. Il est donc raisonnable d’affirmer que Milan est devenue la capitale mondiale contemporaine de la mode. C'est l'endroit à visiter si l'on recherche l'élégance, la grâce et le talent artistique le plus remarquable de la mode.