« Déconstruire la mode à PCA » par Lucas Maethger, directeur du nouveau master. Interview de RUNWAY MAGAZINE. Courtoisie photographique : Ecole supérieure d'art de Paris.

La mode a atteint un point de rupture. Licenciements, épuisement professionnel, cycles de production extractifs et montagnes de déchets — presque 92 millions de tonnes de déchets textiles chaque annéeComme le souligne le communiqué de presse, ces révélations ont mis en lumière une industrie incapable de soutenir le rythme qu'elle impose à ceux qui la nourrissent. Pourtant, alors même que le système se fracture, l'enseignement de la mode continue trop souvent de former des étudiants à des structures déjà en train de s'effondrer sous leur propre poids.

C’est dans ce moment décisif que surgit le Ecole supérieure d'art de Paris, présentant ce qu'elle appelle la première mondiale Master en pratiques critiques de la modePlutôt que de préparer les étudiants à reproduire les échecs d'une industrie hyper-accélérée, le programme propose quelque chose de bien plus urgent : le démantèlement des systèmes dominants de la mode et la réinvention de ce dont ce secteur devrait être responsable aujourd'hui.

Construit sur le principe de "conception" — le démantèlement stratégique des modèles établis — ce master conçoit l'éducation non comme un simple alimentateur de l'industrie, mais comme le point de départ d'une transformation culturelle et structurelle. Autrement dit : si la mode doit évoluer, sa pédagogie doit d'abord évoluer.

Pour comprendre ce changement et les ambitions qui le sous-tendent, le rédacteur en chef de RUNWAY parle avec Lucas Maethger, présidente du nouveau master, sur la responsabilité, la durabilité au-delà de l'écoblanchiment et la refonte radicale nécessaire pour faire entrer la mode dans sa prochaine ère.

Entretien

Vous décrivez la mode comme un système en crise. Selon vous, quel est le dysfonctionnement systémique le plus urgent auquel l'éducation doit s'attaquer en priorité ?

- La crise que nous ressentons est liée à la vitesse à laquelle évolue l'industrie de la mode. Il y a cette pression constante pour donner toujours plus aux consommateurs, afin qu'ils puissent suivre les dernières tendances, et tout est mis en œuvre pour stimuler les dépenses. Cela contribue à la surconsommation et à l'augmentation de la pollution sous toutes ses formes. digital L'époque dans laquelle nous vivons ne fait qu'intensifier ce processus et accélérer encore davantage la consommation.

Quand on parle de « responsabilité » dans la mode aujourd’hui, qui a le plus lamentablement échoué : les créateurs, les entreprises, les éducateurs ou les institutions culturelles ?

- Je crois que les entreprises ont une très grande responsabilité à assumer. La façon dont nous gérons nos entreprises aujourd'hui est axée sur le profit maximal et néglige la croissance responsable à long terme. Il suffit de voir la fréquence à laquelle les directeurs artistiques sont remplacés dans les grandes maisons de mode, simplement pour suivre les tendances sociales. media La communication n'est pas responsable. J'ai commencé mes études à la fin des années 90 à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers, où le groupe des Six d'Anvers exerçait une magie extraordinaire, qui s'est perdue ces dernières années à cause des changements constants. 

Pourquoi pensez-vous que les modèles académiques précédents ont activement contribué à l'effondrement du secteur plutôt qu'à l'atténuer ?

- Les modèles académiques sont souvent conçus pour satisfaire les exigences de l'industrie et former de jeunes designers à répondre à ses besoins. Ayant moi-même travaillé dans l'enseignement pendant plus de 15 ans au sein de plusieurs établissements en France, aux États-Unis et en Allemagne, je constate que les étudiants sont souvent formés à suivre, exécuter et satisfaire aux exigences fixées par les professeurs plutôt qu'à analyser et remettre en question le processus de manière critique.

Je crois qu'il est essentiel de questionner les choix des étudiants et de les aider à trouver des réponses pertinentes. Pourquoi étudient-ils la mode ? Quelle contribution souhaitent-ils apporter et comment veulent-ils la concrétiser ?

Votre master repose sur l'idée de « dé-design » — le démantèlement des systèmes dominants. Que faut-il démanteler en premier : les cycles de production, les idéologies esthétiques, les dépendances économiques ou le mythe du génie créatif ?

- Forte de mon expérience dans l'industrie de la mode – en tant que directrice du design chez Calvin Klein Jeans et après plus de trois ans au sein de groupes de fast fashion – je suis convaincue de la nécessité de déconstruire le système actuel. Cela a des répercussions non seulement sur les cycles de production et les dépendances économiques, mais aussi sur la question plus large du sens et des valeurs que la mode défend aujourd'hui.

La mode devrait être plus qu'une simple tendance éphémère ; elle devrait être un exemple de design réfléchi. En tant que créateurs, nous nous tournons vers l'avenir : nous façonnons ce qui suivra. C'est pourquoi il est essentiel de déconstruire les systèmes dominants afin de bâtir un avenir plus innovant et porteur de sens.

Le « design » est-il une intervention temporaire, ou envisagez-vous qu'il devienne un nouveau paradigme pour la pratique de la mode à l'échelle mondiale ?

- La « déconception » devrait être une pratique mondiale continue, intégrée au processus de conception et influençant notre conscience. Aujourd'hui, le secteur est confronté à des défis qui peuvent trouver de nouvelles solutions et opportunités grâce à la « déconception ». Dans dix ans, nous serons confrontés à différentes situations. issueLa déconstruction et le « démantèlement » peuvent contribuer à révéler de nouvelles réponses. Grâce à la « déconstruction », nous perturbons et déconstruisons les systèmes existants afin d'examiner les problèmes plus en profondeur et de développer des solutions plus efficaces et adaptées.

Vous insistez sur le rejet de l'écoblanchiment. Selon vous, quelles sont les idées fausses les plus répandues que les étudiants héritent encore d'une conception durable du développement durable ?

- Aujourd'hui, les étudiants prennent souvent le développement durable peu au sérieux, principalement parce que le secteur lui-même ne donne pas l'exemple. Bien que le développement durable soit fréquemment abordé et mentionné dans l'enseignement, dans les faits, ni les entreprises ni les étudiants ne le mettent systématiquement en pratique.

Cela commence par des choix comme l'utilisation de fibres synthétiques et la réflexion qui sous-tend la conception. Par exemple, il arrive que des étudiants qualifient de « durables » les tissus issus de stocks dormants, mais en réalité, on pourrait faire bien plus pour leur donner un véritable sens. Les étudiants peuvent générer de nombreuses idées, mais nous avons besoin d'actions concrètes, pas seulement de concepts. Le réchauffement climatique est une réalité et une action urgente s'impose – et cela commence par des décisions conscientes et responsables de la part des étudiants. 

Pouvez-vous définir ce que signifie concrètement une véritable durabilité, non pas en termes marketing, mais en termes opérationnels réels ?

- En pratique, nous devons prendre des décisions non seulement économiques, mais aussi durables – et ces dernières sont souvent plus coûteuses. Nous examinons notamment les matériaux utilisés, les procédés de teinture des tissus, ainsi que les lieux et les méthodes de fabrication des vêtements.

La durabilité ne se limite pas à la chaîne d'approvisionnement. Elle soulève également la question fondamentale de savoir si un vêtement est réellement nécessaire au consommateur et s'il remplit une fonction utile dans sa vie.

Les écoles de mode préparent traditionnellement les étudiants à l'industrie. Votre programme les prépare à la critiquer. Comment l'industrie a-t-elle réagi à l'idée que l'éducation devrait remettre en question ses exigences, et non s'y soumettre ?

- Oui, c'est exact : nous ne formons pas les étudiants à simplement servir l'industrie, mais à la critiquer. Cette approche aide les jeunes designers à devenir des innovateurs et des acteurs du changement. La pratique de la critique leur permet de comprendre les enjeux en profondeur, et non seulement en surface, ce qui est de plus en plus nécessaire dans le secteur.

L'esprit critique ne signifie pas rejeter le secteur ; il s'agit de développer une conscience qui permette aux étudiants d'appréhender plus sereinement ses exigences. De nombreux postes dans ce secteur requièrent aujourd'hui un esprit critique et une capacité à trouver des solutions, et ce type de formation prépare les étudiants à exceller dans ces fonctions.

Existe-t-il une résistance de la part des établissements historiques ou des entreprises qui pourraient se sentir menacées par des diplômés formés pour perturber l'ordre établi, et non pour obéir ?

- Forte de mon expérience, notamment auprès de Dirk Bikkembergs, membre du groupe des Six d'Anvers, je suis convaincue que bousculer les codes de la création est bénéfique pour les maisons de couture traditionnelles, qui ne s'en sentent pas menacées. Cette approche n'est pas synonyme de manque de respect ; elle vise à transformer en profondeur un secteur ou un système, souvent grâce à des idées ou des technologies novatrices. Dans cette optique, les maisons de couture et les entreprises apprécient particulièrement les jeunes diplômés qui apportent un regard neuf sur la pratique et la création.

Pensez-vous que l'enseignement de la mode ait contribué au maintien de systèmes d'exploitation ou d'extraction de ressources ? Si oui, comment ?

- Oui, l'enseignement de la mode a, dans une certaine mesure, contribué au maintien de systèmes d'exploitation. Nombre d'écoles vendent un « rêve de mode » aux jeunes créatifs, au lieu de les confronter à la réalité du secteur. C'est là que le cycle d'exploitation commence.

Notre nouveau master en pratiques critiques de la mode adopte une approche différente : c'est un programme qui aborde avec honnêteté les réalités du secteur, offrant aux étudiants non pas un rêve, mais une préparation et une prise de conscience pour s'engager de manière responsable dans ce secteur.

Vous mentionnez que les diplômés pourraient concevoir des systèmes alternatifs totalement en dehors des voies traditionnelles. À quoi pourraient ressembler ces systèmes ?

- Les étudiants créeront des systèmes alternatifs qui pourront prendre de nombreuses formes, selon leurs axes de recherche et leurs objectifs. Cela pourrait impliquer l'exploration de matériaux innovants, la collaboration avec des start-ups, la réinvention des méthodes de distribution, voire la co-création de mode avec les consommateurs finaux — remettant en question les notions de propriété et le système capitaliste existant.

D'autres pistes sont explorées : la mise en place de chaînes d'approvisionnement plus responsables, la production à la demande pour éviter la surproduction, ou encore la fabrication de vêtements au plus près du consommateur – penser globalement, agir localement. Ces nouveaux systèmes peuvent être de petite envergure, mais avoir un impact considérable. Les possibilités sont infinies. Toutefois, pour développer ces alternatives, il est essentiel d'examiner d'abord de manière critique le système traditionnel actuel.

Quels rôles futurs dans la mode pensez-vous ne devraient plus exister — et quels nouveaux rôles faut-il inventer ?

- Je ne suis pas là pour supprimer des emplois dans la mode ni pour prôner la disparition de certains métiers. Mon objectif est plutôt de repenser et d'imaginer de nouveaux rôles. Je constate un manque de communication entre l'ingénierie et le design ; ces deux domaines devraient être plus étroitement liés. On pourrait peut-être créer de nouveaux rôles, comme celui d'« ingénieur créatif », qui ferait le lien entre design et innovation technique.

Votre programme examine les liens entre la mode, le capitalisme, l'histoire coloniale et l'identité. Laquelle de ces structures de pouvoir est la plus résistante au changement, et pourquoi ?

- Ces trois systèmes sont profondément réfractaires au changement et étroitement liés : chacun soutient les autres et ils ne peuvent exister isolément. Je suis né à Karl-Marx-Stadt, sous un régime communiste de l’ancienne République démocratique allemande, et j’ai donc vécu de près l’antithèse du capitalisme. Aujourd’hui, nous sommes tous habitués à ces structures de pouvoir et restons souvent dans notre zone de confort.

Cependant, la situation mondiale nous oblige à remettre en question ces structures et à explorer d'autres pistes. Sortir de sa zone de confort demande des efforts, et rares sont ceux qui, dans l'industrie de la mode, sont prêts à le faire. En Occident, on nous inculque que notre vision définit la « vraie mode », ignorant souvent la créativité et la richesse des identités culturelles d'autres régions du monde. Ceci constitue, en soi, une forme de colonialisme.

Nous devons repenser notre vision occidentale de la mode et nous inspirer des pratiques d'ailleurs. En célébrant la diversité des identités, des cultures et des esthétiques à travers le monde, nous pouvons commencer à bouleverser et à réinventer les structures de pouvoir qui dominent la mode actuelle.

Comment préparer les étudiants à affronter des institutions historiquement inébranlables ?

- C'est une question complexe : si les institutions ont toujours été immuables, comment les faire évoluer aujourd'hui ? Pour préparer mes étudiants, je leur apprends à résister et à remettre constamment en question ces entreprises, jetant ainsi les bases d'un changement futur. Stimuler la demande du côté des consommateurs peut impulser directement la transformation, mais c'est un processus long qui exige persévérance et stratégie.

L’épuisement créatif est endémique dans le monde de la mode. Le problème est-il d’ordre psychologique, structurel ou éthique ?

- L’épuisement créatif dans la mode a une forte composante structurelle. Comme je l’ai mentionné précédemment, le rythme effréné de l’industrie contribue directement à cette crise. Le « dé-design » désigne aussi le slow design : prendre le temps de créer dans un environnement solide, éthique et responsable. En favorisant une approche plus collective et en nous soutenant mutuellement, nous pouvons contribuer à prévenir l’instabilité personnelle et à réduire l’épuisement professionnel.

Un programme de master peut-il réellement protéger les jeunes designers du cycle d'épuisement sur lequel repose l'industrie ?

- C’est une préoccupation que nous partageons tous, et je crains qu’un master ne puisse totalement protéger les jeunes créateurs contre la répétition de ces schémas. Cependant, nous pouvons les sensibiliser, les aidant ainsi à ralentir le rythme, à travailler avec réflexion et à nourrir leur créativité avec passion.

Si ce programme est couronné de succès, à quoi ressemblera le secteur dans 10 ans ? Et inversement, quel sera l’avenir si l’éducation reste inchangée ?

- J'aimerais pouvoir lire l'avenir ! Depuis mes débuts dans ce monde en 2003, après avoir obtenu mon diplôme de la prestigieuse Académie d'Anvers en Belgique, la mode et sa magie me fascinent. Je crois au potentiel positif de l'humanité et je suis convaincue que ce programme sera une réussite. Dans dix ans, j'espère voir davantage d'entreprises soucieuses de la gestion des ressources et engagées dans une économie circulaire. Le gaspillage et la surproduction doivent être considérablement réduits, et les chaînes d'approvisionnement doivent témoigner d'un plus grand respect envers les travailleurs et tous les acteurs de la mode.

Imaginer l'avenir de la mode sans modifier notre approche éducative semble presque impossible. À l'instar du réchauffement climatique, nous ne pouvons nous permettre de rester inactifs : le changement est indispensable. Ma passion pour la mode me pousse à être une actrice du changement, plutôt que d'assister passivement au déclin de ce secteur.

Pensez-vous que la mode telle que nous la connaissons aujourd'hui doive survivre, ou est-il temps de construire quelque chose de complètement différent ?

- Mais au fait, qu’entend-on exactement par « mode » ? Parle-t-on des marques de fast fashion comme Temu ou Shine, venues de Chine ? Ou du groupe LVMH ? Ou peut-être de marques plus petites et plus responsables ? Le secteur est incroyablement diversifié, il est donc difficile de regrouper tous les collaborateurs et participants.

Je crois qu'il existe de jeunes créateurs underground qui méritent absolument de survivre et de pouvoir se développer. Devrions-nous mettre en place davantage de lois aux niveaux national et européen pour prévenir le gaspillage des ressources ? Oui. Il nous faut donc préserver certains aspects de la mode telle que nous la connaissons, tout en explorant la possibilité de construire quelque chose de totalement nouveau. La forme que prendra cette nouvelle ère dépendra de l'esprit novateur de la prochaine génération.

Lancer un programme novateur à Paris, épicentre mondial du luxe, est un acte fort. Comment le poids de la tradition parisienne influence-t-il ou remet-il en question votre mission ?

- Oui, c'est une affirmation, et je suis très fier de pouvoir la lancer ici, à Paris College of Art. Les étudiants peuvent s'immerger dans les traditions parisiennes, mener des études de cas, analyser des modèles économiques et développer leur créativité. À bien des égards, cet environnement soutient le programme plutôt que de le freiner.

Paris offre à la fois le savoir-faire séculaire qui caractérise la mode de luxe et des pôles technologiques innovants que nous pouvons explorer et utiliser de manière personnelle et audacieuse. Apprendre auprès de ces spécialistes exceptionnels et allier compétences traditionnelles et approches novatrices est extrêmement enrichissant pour le programme.

Considérez-vous Paris comme faisant partie du problème, de la solution, ou des deux ?

- Je ne suis pas certain que l'on puisse imputer ce problème à une seule ville. Certes, Paris abrite de grands groupes de luxe et, comme New York, Londres ou Tokyo, présente des avantages et des inconvénients. Je ne considère pas Paris comme faisant strictement partie du problème ou de la solution ; la question est plus complexe.

Comme le montre clairement la conversation avec Lucas Maethger, la question à laquelle la mode est confrontée aujourd'hui n'est plus de savoir comment produire plus vite ou innover stylistiquement, mais comment repenser les conditions mêmes dans lesquelles la mode opèreLe master en pratiques critiques de la mode ne promet ni nouvelles tendances ni spectacles saisonniers ; il propose de nouvelles façons de penser, de créer, de s’organiser et, en fin de compte, de… prendre la responsabilité pour l'empreinte culturelle et environnementale du domaine.

Conclusion

Ce qui ressort de cette conversation, ce n'est pas simplement l'esquisse d'un nouveau programme universitaire, mais un repositionnement philosophique de la mode elle-même. À travers le prisme de Lucas Maethger, la crise qui frappe l'industrie n'est pas un désalignement passager, mais la conséquence d'un système qui a dépassé sa propre logique : une production accélérée, un travail créatif épuisé et des pratiques extractives normalisées jusqu'à rendre l'effondrement inévitable. Sa proposition de conception Elle remet en cause les fondements mêmes sur lesquels s'est construite la mode contemporaine : sa rapidité, ses hiérarchies, sa dépendance à la nouveauté perpétuelle et son allégeance indéfectible aux récits capitalistes occidentaux.

Tout au long de l'entretien, une idée revient avec force : la mode ne peut se transformer véritablement qu'après avoir désappris ses schémas traditionnels. Déconstruire, ce n'est pas détruire, mais adopter une méthodologie : une manière de mettre au jour les présupposés, les structures de pouvoir et les habitudes héritées qui ont façonné la mode mondiale au cours des cinquante dernières années. Dans cette perspective, la durabilité n'est plus un argument marketing, mais une série de choix opérationnels difficiles ; l'éducation n'est plus un moyen de se conformer aux attentes de l'industrie, mais un espace de résistance et de réinvention ; et la créativité devient une responsabilité, non une marchandise.

Le master en pratiques critiques de la mode se situe à la croisée de la critique et de la construction. Il ne prétend pas protéger les étudiants des pressions structurelles du monde dans lequel ils évolueront, ni que l'éducation, à elle seule, puisse corriger les défaillances du système. Il forme plutôt un nouveau type de créateur, capable de percevoir la mode non seulement comme un marché, mais aussi comme une force culturelle aux implications éthiques, environnementales et politiques. Si ses ambitions sont comblées, la prochaine génération ne se contentera pas d'occuper les rôles existants ; elle les redéfinira, en inventera de nouveaux et transformera en profondeur les infrastructures qui soutiennent la mode.

Dans dix ans, ce programme sera jugé non pas sur les tendances créées ou les collections lancées, mais sur la capacité de ses diplômés à transformer l'avenir de la mode : en la ralentissant là où c'est nécessaire, en confrontant ses angles morts, en diversifiant ses perspectives et en insistant sur le sens là où l'industrie n'a toléré que la vitesse. Si l'enseignement reste inchangé, la mode risque de devenir un vestige de ses propres excès ; mais grâce à une pratique critique, elle peut encore évoluer vers un système digne de son pouvoir culturel.

La tâche qui nous attend est loin d'être simple. Mais comme le révèle ce dialogue, le processus de déconstruction – questionnement, déconstruction et reconstruction – offre une voie d'avenir. Le prochain chapitre de la mode, s'il doit exister, dépendra de créateurs qui ne se contentent pas de confectionner des vêtements, mais qui sont les architectes de nouvelles possibilités.